Ed Spence

El arte de Ed Spence intenta crear un lenguaje visual capaz de describir conceptos abstractos, físicos y espirituales. Hay elementos prestados, como la cuadrícula, que sugieren conceptos matemáticos y el mapeo del espacio. El pedestal prepara un escenario para la presentación y proporciona un marco físico que hace referencia al contexto del museo y, a su vez, representa el paso del tiempo. Por extensión, la presentación de objetos en el contexto de un museo llama la atención sobre la historia de la humanidad en relación con avances tecnológicos reales e hipotéticos. La fotografía se utiliza tanto para la grabación de documentales como con fines estéticos prácticos. De esta manera, Spence puede capturar los efectos fenomenológicos de la luz y, literalmente, diseccionar los resultados. El proceso puede verse como una combinación de fotografía y collage, en la que los planos digitales resultantes se superponen e incrustan a la vez. El proceso de reorganización llama la atención sobre la plasticidad del espacio virtual. Un aspecto del arte de Spence está impulsado por su interés en el entorno digital recién integrado. Como una proyección intangible, existe en el no-espacio holográfico, pero también existe de una manera ineludiblemente física. Las dimensiones hipotéticamente infinitas del ciberespacio se amplían y restringen por el hardware que lo gobierna. Con esto en mente, su arte intenta trazar el margen de la estética digital y la escala insondable de la nanotecnología. Estos trabajos están impulsados ​​principalmente por procesos. Lo que inicialmente parece ser un efecto digital es en realidad una deconstrucción meticulosamente hecha a mano de una imagen. Utilizando solo un cuchillo, una regla y unas tijeras, se han diseccionado partes de las imágenes en pequeños cuadrados y la información se presenta en configuraciones alternativas. No se han perdido ni ganado piezas. La luz juega un papel importante en el trabajo de Spence. El análisis de cómo aparecen los objetos inspira su proceso y la naturaleza particulada de estas abstracciones de cortar y pegar sugiere las estructuras subyacentes que dan forma y características individuales a la materia. Cada píxel individual registra la trayectoria de la luz, lo que da como resultado un documento que contiene el mapeo de una instancia efímera. Al reestructurar ese instante, el artista puede superar la realidad de su inicio manteniendo la información como un todo. La superposición de formaciones alternativas permite cuestionar la objetividad concreta. Los límites formales del sujeto y el fondo se socavan a través de la manipulación transformadora y se saca a la luz la ilusión del espacio pictórico. Al darse cuenta de la lógica de la reorganización, el espectador tiene abierta una divertida interacción visual de disolución y reensamblaje. Los componentes básicos del lenguaje visual se vuelven transparentes, lo que permite que las relaciones de tono, saturación y luminosidad pasen a primer plano. Muchas de estas piezas son, por la naturaleza del proceso material junto con el tema figurativo, medi ciones sobre la individualidad frente a la universalidad física y espiritual. Atrapado en el momento de la desintegración, la obra describe la disolución de estados individuales en una forma coalescente duplicada. Los sujetos renacen en existencias alternativas, a la vez ajenas y en armonía con su entorno, un espacio del que siempre han formado parte. El trabajo de Spence trata de muchas cosas. Hay referencias al entorno digital en rápido crecimiento que se ha vuelto muy presente en nuestro mundo contemporáneo. Hay un enfoque en la materialidad y cómo paradójicamente existe y se disipa dentro de la forma de su propia representación. Junto a eso, también hay una perspectiva analítica que se alimenta de la curiosidad del artista: su interés por la ciencia y la física de la luz y la percepción. Por último, pero no menos importante, está el elemento espiritual que se expresa a través de la descripción de la transformación física y metafísica.