La diferencia entre Arte Moderno y Arte Contemporáneo explicada
"¿Cuál es la gran diferencia entre el arte moderno y el contemporáneo?" Esa es una pregunta que a menudo hacen los recién llegados al mercado del arte. Afortunadamente, los historiadores del arte han descrito ampliamente la diferencia y la transición entre estos dos estilos artísticos. En este artículo te resumimos las principales diferencias y características entre el arte moderno y el contemporáneo.
El comienzo del arte moderno y la liberación de los principios clásicos
Es difícil decir exactamente cuándo comenzó el arte moderno. Sin embargo, existe un consenso general de que las raíces del arte moderno se encuentran en Francia a mediados del siglo XIX. Artistas como Gustave Courbet (1819-1877), Edouard Manet (1832-1883) y el movimiento impresionista abrieron nuevos caminos al desafiar las tradiciones académicas prevalecientes y presionar en cambio por una representación naturalista del mundo. 'Déjeuner sur l'herbe' de Manet (fig. 1) es uno de esos ejemplos revolucionarios. La obra se exhibió por primera vez en el Salon des Refusés de 1863, una exposición popular en París que reunió todas las obras rechazadas de la exposición oficial del Salón. Allí generalmente provocó risas e indignación.
1. Ejemplo de los inicios del arte moderno: Éduard Manet, Le Déjeuner sur l'herbe, 1863, óleo sobre lienzo, Musée d'Orsay, París.
Aparentemente, el público estaba más disgustado con la configuración "regular". El cuadro muestra a una mujer desnuda en compañía de dos hombres, vestidos con ropa de diario, disfrutando de un picnic en la hierba. Ignora por completo la tradición clásica y mitológica, por lo que la desnudez de las mujeres se percibía como inapropiada. Además, los críticos no pudieron comprender la representación poco realista del paisaje forestal y se sintieron especialmente ofendidos por la chica que se baña en el fondo, que no tenía ninguna función en esta pintura.
El arte moderno y el desafío del papel representacional
Si bien el trabajo de Manet preocupó a los críticos, allanó el camino para los posimpresionistas. Se distinguieron por su elección de temas y su rechazo a una forma colectiva de ver las cosas. Paul Cézanne (1839-1906) fue uno de los postimpresionistas más importantes; en su obra enfatizó las líneas, superficies y colores que componen la naturaleza, dando como resultado una imagen más abstracta.
En el cuadro "Mont Sainte-Victoire Visto desde Bibemus Quarry" (1897, fig. 2), Cézanne tradujo sus observaciones directas de la naturaleza en pequeñas manchas de colores más cálidos y más fríos, lo que provocó un cambio en la percepción general.
Arte moderno y formas fragmentadas
Inspirado por los intentos de Cézanne de liberar a la pintura de su función representativa y centrarse en cambio en las formas puras, Pablo Picasso (1881-1973) amplió aún más los límites de la abstracción.
Les Demoiselles d'Avignon' (1907, fig. 3) es quizás uno de los ejemplos más característicos de esta transición. La pintura muestra cinco desnudos femeninos, pero sus formas están fragmentadas y entrelazadas con el fondo igualmente caprichoso. Con este cuadro, Picasso abandona por completo el concepto tradicional de espacio pictórico unificado por primera vez en la historia.
La pintura sentó las bases para el movimiento cubista, en el que un tema se fragmenta en sus componentes geométricos y, a menudo, se representa desde varios ángulos a la vez. Aunque los cubistas hiperfragmentaron sus temas, las formas siempre fueron reconocibles.
El arte moderno y la 'no objetividad'
Wassily Kandinsky (1866-1944) fue uno de los primeros artistas que, impulsado por su interés por la filosofía, la religión, las teorías científicas innovadoras y la música, pintó de forma completamente no objetiva, como se muestra en 'Composición VII' (1913, fig. . 4). Esta pintura muestra cómo el artista rechazó la 'representación pictórica' a través de un vals tumultuoso de formas, colores y líneas, que no muestra un punto de partida claramente discernible en la representación de temas reconocibles.
Aunque las ambiciones artísticas de Manet, Cézanne, Picasso y Kandinsky diferían, toda su obra se considera Arte Moderno. El arte moderno fue una respuesta estética a la modernidad, a los cambios fundamentales en la sociedad como resultado de la revolución industrial y la introducción de la economía capitalista moderna.
Como resultado, los artistas comenzaron a descomponer las formas ya cuestionar el papel general y representativo de las pinturas. Esto se desarrolló lentamente a través de una serie de movimientos artísticos. Además del impresionismo, el postimpresionismo y el cubismo, también pertenecen al paraguas del arte moderno movimientos como el simbolismo, el fauvismo, el futurismo, el suprematismo, el constructivismo, el dadaísmo, el surrealismo y el expresionismo abstracto.
Arte contemporáneo y concepto en relación con la obra acabada
La mayoría de los historiadores del arte apuntarán a finales de la década de 1960 como un importante punto de inflexión para el mundo del arte. En general, el arte creado después de este tiempo puede considerarse "arte contemporáneo", incluido el arte conceptual, el arte escénico, el minimalismo, el arte pop y el videoarte. Desde finales de la década de 1960, el concepto subyacente en particular se volvió más importante que las cualidades estéticas de la obra.
Por primera vez en la historia, el proceso de hacer arte recibió más atención que el producto final. Ese proceso a veces incluso requería la participación del público, como en el caso de 'Performance Anthropometry of the Blue Period' de Yves Klein (1960, fig. 5).
Pero también fue el significado y el valor cultural del arte mismo lo que fue cuestionado por los artistas. Un ejemplo famoso es el primer trabajo conceptual de Joseph Kosuth (1945) "One and Three Chairs" (1965, fig. 6), en el que una silla real va acompañada de una fotografía de la silla y la definición del diccionario de la palabra "silla".
Esta yuxtaposición sugiere que la imagen y el texto se han vuelto intercambiables, eliminando la distinción tradicional. Al cuestionar el estatus de una fotografía, Kosuth cuestiona todo el arte figurativo. Esta obra sentó las bases de una tendencia a privilegiar la idea o concepto de obra sobre el objeto físico. Este debate intrínseco es esencial para el arte contemporáneo. Por lo demás, el arte contemporáneo abarca un millón de estilos y enfoques diferentes del arte.
Arte contemporáneo y compromiso social
Gran parte del arte contemporáneo de los últimos treinta años también está vinculado a cuestiones sociales y políticas. La obra 'Sirens of the Lambs' (2013, fig. 8) del artista callejero Banksy muestra a una pareja de muñecos de animales que salen chillando de un camión asustados. Es una crítica flagrante de la crueldad casual de la industria alimentaria.
Otro ejemplo de arte contemporáneo es el controvertido artista Damien Hirst (1965), quien realiza pinturas y esculturas figurativas y no figurativas (fig. 7).
Conclusión: las mayores diferencias entre el arte moderno y el contemporáneo
Aquí enumeramos brevemente las mayores diferencias entre el arte moderno y el contemporáneo. En primer lugar, el Arte Moderno y el Arte Contemporáneo se originan en dos períodos diferentes. El período del arte moderno incluye principalmente obras de finales del siglo XIX y principios del XX, aproximadamente desde la década de 1880 hasta la de 1960. El arte moderno también suele ser una expresión de individualidad. Mientras que el Arte Contemporáneo está más centrado en el impacto social, con la sociedad como foco principal. También se puede decir que el Arte Contemporáneo se centra principalmente en el presente y el futuro y que el Arte Moderno se refiere a una época que ya pasó.
Esperamos que este artículo le haya dado más información sobre las diferencias entre estos dos estilos artísticos.
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* La imagen del encabezado es "Estudio del color. Cuadrados con círculos concéntricos" de Wassily Kandinsky, 1913. Acuarela, gouache y crayón sobre papel 9,4 × 12,4" (23,8 × 31,4 cm), Múnich, The Städtische Galerie im Lenbachhaus
