Información esencial antes de comprar una estatua o escultura

Un conocido artista dijo una vez: "La escultura es algo con lo que te topas cuando te mueves hacia atrás para ver bien una pintura". A pesar de esta creencia en la superioridad de la pintura sobre la escultura, las obras de arte tridimensionales generalmente han superado la prueba del tiempo mejor que la pintura, tanto literal como figurativamente. En este artículo te contamos más sobre qué es exactamente la escultura y qué términos y técnicas se suelen distinguir en la escultura. También discutiremos el desarrollo de la escultura con más detalle y a qué debe prestar especial atención al comprar una estatua o una escultura.

¿Qué entendemos por escultura?

La gran diferencia con la pintura es que una imagen o escultura en realidad comparte el espacio con el espectador. Las estatuas (y esculturas) son tangibles, puedes tocarlas y sentir sus diferentes texturas y formas. Finalmente, mirar la escultura es una actividad dinámica: la obra cambia a medida que el espectador se mueve a través del espacio y el tiempo. En escultura, las obras de arte están diseñadas espacialmente: como retratos, bustos, estatuas, grupos de estatuas, torsos, formas abstractas o abstractas.

^{Antiguas estatuas misteriosas en la Isla de Pascua}

La diferencia entre estatua, escultura y plástico.

Mucha gente usa las palabras estatua y escultura como sinónimos, aunque esto no es del todo correcto, de hecho hay una diferencia entre esculturas y estatuas.

Una escultura es, concretamente, estatuas que han surgido de un todo. El artista (escultor) comienza con un todo grande y luego elimina más y más material. 

Esto contrasta con una estatua fundido, donde el artista comienza con nada y agrega más y más material. Para ello se puede utilizar un molde. Una estatua fundidoa menudo está hecho de arcilla o cera, materiales con los que es relativamente fácil trabajar.

El término estatua es, por tanto, el nombre colectivo de todas las obras espaciales, tanto esculturas como plásticas.

^{El 'making of' de la Estatua de la Libertad donada por Francia a la ciudad de Nueva York, 1885}

Conceptos importantes en escultura

Además de la escultura y la plástica, se pueden distinguir diferentes formas de escultura. A continuación se muestra un breve resumen de los diversos términos que se utilizan comúnmente: 

• Ensamblaje, una imagen a menudo compuesta de múltiples materiales (collage tridimensional)
• Arte de instalación una disposición espacial de objetos u objetos heterogéneos (múltiples)
• Impresión 3D, a través de un archivo digital se realiza un objeto tridimensional tangible
• Arte ambiental del arte ambiental
• El arte del paisaje (inglés: land art), a menudo tiene características escultóricas en relación con el medio ambiente
• Readymade u objet trouvé, objetos encontrados que se eliminan de su entorno y, a menudo, no se procesan en una obra de arte
• Cabeza de retrato, un retrato tridimensional de una cabeza.
• Busto, busto de la mitad del pecho
• Busto, media estatua, desde las caderas
• Estatua, por ejemplo, una figura de pie, una estatua ecuestre
• Piedad, representación de la "Pasión de Cristo"
• Relieve, una imagen tridimensional sobre un fondo plano
  • Bajorrelieve, representación poco elaborada, por ejemplo, en una moneda o piedra de revestimiento
  • Escultura en alto relieve, casi independiente, con grandes diferencias de profundidad

^{Ejemplo de una escultura de 'Piedad' que representa el sufrimiento de Cristo}

Desarrollo de la escultura

Las primeras imágenes en la prehistoria

Las imágenes se han utilizado como una forma de expresión humana desde tiempos prehistóricos. Las primeras esculturas conocidas datan de alrededor del 32.000 a. El hombre primitivo creó utensilios decorados con formas decorativas. Los pueblos antiguos también crearon pequeños animales y figuras humanas talladas en hueso, marfil o piedra o moldeadas en arcilla para posibles fines espirituales o religiosos.

_{Las primeras formas primitivas de escultura 'el Löwenmensch' y 'la Venus de Willendorf' respectivamente. 30.000 y 25.000 años antes de Cristo}

Civilizaciones antiguas alrededor del Mediterráneo

Las tradiciones de corte y fundición han surgido de las antiguas civilizaciones del Mediterráneo. Las culturas de Egipto y Mesopotamia a menudo creaban estatuas y esculturas a escala monumental. Estas esculturas a menudo "masivas" estaban relacionadas con la vida religiosa o estaban destinadas a ser un recordatorio duradero del poder de los gobernantes.

La forma humana y su evolución escultórica

En la antigua Grecia y Roma, la 'forma humana' era el tema dominante de la escultura. Los artistas de la Grecia clásica lograron un alto grado de naturalismo al esculpir la forma humana. Desde las figuras masculinas rígidamente arcaicas conocidas como 'kouroi' del siglo VI a. C. hasta el naturalismo de la Grecia y la Roma clásicas, la forma humana ha sido considerada el tema artístico más venerado.

^{El Poseidón de Artemision es una antigua estatua griega de bronce, 460 antes de Cristo}

Escultura eclesiástica en la Edad Media

La escultura en la Edad Media se caracteriza principalmente por el arte eclesiástico. La Iglesia Católica fue a menudo el único comisionado principal y el propósito de estas esculturas y relieves fue principalmente moldear e influir en el comportamiento de las personas. Para ello se utilizaron principalmente esculturas de madera y piedra y relieves de santos. Un buen ejemplo de esto son los portales en relieve, a menudo ricamente decorados, de muchas iglesias y catedrales de esa época.

^{El tímpano de Notre Dame en Amiens con relieves escultóricos ricamente decorados, 1270}

La revalorización de las estatuas romanas y griegas en el Renacimiento

Las formas figurativas a menudo rígidas y alargadas del estilo gótico y eclesiástico que fueron populares en los siglos XII al XIV dieron paso en el Renacimiento al renacimiento del naturalismo y el tema de la antigua Grecia y Roma. Miguel Ángel, en particular, toma prestada del mundo antiguo su famosa escultura de David al tallar la forma humana en una 'postura de contrapposto', que representa a una persona en una posición relajada y natural sobre una pierna que soporta peso.

^{La escultura de mármol 'David' frente al gigante Goliat sin miedo, Miguel Ángel, 1501}

Múltiples figuras y composiciones dinámicas en el Barroco

Los artistas del período barroco que siguió continuaron representando la forma humana, a menudo componiendo sus obras utilizando múltiples figuras en composiciones muy dinámicas. Las formas humanas se representaban girando y girando en espiral alrededor de un vórtice central vacío, o extendiéndose hacia el espacio circundante. El movimiento y la energía de estas formas humanas dieron a los espectadores múltiples ángulos de visión, como se ve a continuación en la escultura Pluto Abducting Prosperine de Girardon.

^{La escultura Plutón secuestrando a Prosperine de Girardon, 1696}

Estatuas de mármol neoclásicas

En el siglo XVIII, el descubrimiento y el interés por los yacimientos arqueológicos antiguos, como Herculano y Pompeya, despertaron un renovado interés por el arte de la Grecia y la Roma antiguas. El neoclasicismo surgió del deseo de infundir a las artes visuales más seriedad y devoción moral, virtudes que se pensaba que ejemplificaban ideales antiguos.

El mármol blanco, que evoca la escultura antigua, se convirtió en el material predilecto del escultor neoclásico. En el siglo XVIII, existía la creencia generalizada, aunque incorrecta, de que los antiguos preferían este material estéticamente puro para sus obras escultóricas. De hecho, la escultura clásica de mármol solía estar cubierta con pintura de colores brillantes, que en gran parte había desaparecido de las obras excavadas debido a la intemperie. El bronce también se usaba a menudo para esculturas a gran escala en la antigüedad.

^{Escultura neoclásica de Antonio Canova, 'Paolina Borghese como Venus' (Venus Victrix), 1804-08, mármol, Galleria Borghese, Roma}

Si bien se conocían algunos ejemplos de esculturas de bronce clásicas en el siglo XVIII, la gran mayoría de las obras antiguas en este medio se habían fundido para usos más prácticos después de la caída de Roma. La mayoría de las esculturas que entraron en las grandes colecciones de Europa fueron de mármol; por lo tanto, las personas que vivían en el siglo XVIII asociaron principalmente el mármol con el mundo antiguo.

Escultura Moderna y Contemporánea

En la segunda mitad del siglo XIX y principios del siglo XX, un movimiento llamado "modernismo" se apartó del estilo neoclásico. En ese momento, los escultores mostraron menos interés por el naturalismo y prestaron más atención a la estilización, la forma y las propiedades contrastantes de la superficie del material. Los artistas prestaron más atención al 'realismo psicológico' que al 'realismo físico'. Más tarde, el interés de los artistas por lo psicológico resultó en una escultura estilizada más abstracta (como en el trabajo de Henry Moore y Alberto Giacometti).

^{Escultura moderna 'Mujer reclinada' de Henry Moore, 1951}

A fines del siglo XX, muchos artistas continuaron trabajando en los medios tradicionales, pero comenzaron a explorar la abstracción o la simplificación de la forma, eliminando los detalles realistas. Algunos artistas quitaron sus esculturas de los pedestales tradicionales y en su lugar colgaron el trabajo en alambres o cables para permitir el movimiento y crear esculturas cinéticas.

Otros escultores comenzaron a explorar nuevos materiales, utilizando objetos encontrados o descartados para crear lo que ahora se llama ensamblaje. A mediados de siglo, algunos escultores organizaron la construcción de sus obras utilizando grúas para ensamblar esculturas a gran escala en madera, piedra y metal.

^{Un buen ejemplo de ensamblaje como escultura de Jean Tinguely y Niki de Saint Phalle 'Le Cyclop - la Tête', 1970}

Otros artistas, que consideraban que la idea o el concepto detrás de una obra de arte era más importante que el objeto en sí, adoptaron un enfoque más discreto en su trabajo, creando dibujos y diseños para obras de arte, que luego fueron fabricados por otros.

Más recientemente, los artistas han desdibujado los límites entre los diferentes medios artísticos al mezclar materiales escultóricos con sonido, luz e incluso, por ejemplo, ¡proyecciones de video!

^{Escultura contemporánea en bronce de Jesús Curiá Perez disponible vía Gallerease}

¿Qué tener en cuenta al comprar una escultura o estatua fundido? 

Si quieres comprar una escultura, probablemente sea una pieza única, pero si compras una, probablemente no sea así. Si planea comprar una estatua fundido, es bueno saber cuántas estatuas hay en circulación o cuántas estatuas se moldearán. Cuantas menos copias haya, más raro y, a menudo, más valioso será el plástico.

Una estatua fundidode bronce generalmente se funde en varias copias. Hasta una edición de doce ejemplares inclusive, se habla de una 'obra de arte original', mientras que una edición mayor se denomina 'múltiplos'. La mano o implicación del artista no tiene nada que ver en esto. De hecho; de Rodin, por ejemplo, incluso ahora, 100 años después de su muerte, se siguen emitiendo 'primeros originales'.

_{El proceso artesanal y manual de fundición una estatua fundidode bronce}

Pero existen ciertas leyes no escritas en el moldeado de una estatua fundido, a menudo basadas en la antigua tradición y jurisprudencia francesa. Cuando un escultor realiza una obra, lo hace en primera instancia en madera, barro o yeso (escayola). Luego se hace una versión en bronce de esa obra de arte única. Esto generalmente se hace usando la 'técnica de la cera perdida', que hace posible hacer varios moldes de ese modelo.

Sin embargo, sólo los ocho primeros moldes se consideran originales. Además de esos ocho, puedes tener cuatro más, las llamadas 'épreuves d'artiste o 'prueba de artista'. Estos son propiedad del artista y, en principio, no están destinados a ser comercializados, aunque puede venderlos si lo desea. Tanto los primeros ocho como los cuatro épreuves se consideran originales. En la práctica, para las estatuas de bronce no existe una diferencia real con las otras copias, excepto por la numeración. En el pasado y en la actualidad con los artistas realmente renombrados, los moldes eran destruidos después del 12º casting, por lo que uno sabía con certeza que la edición era limitada.

^{Una estatua de bronce contemporánea de Annette Jalilova, Alresha, 2013 disponible a través de Gallerease}

Las 'piezas originales' están numeradas en árabe del 1 al 8 y las épreuves d'artiste con números romanos (EA I-IV). Algunos artistas ven estos epreuves d'artiste como los primeros intentos: ver cómo es su obra en bronce. También pueden servir para actualizar las patines. Pero el término, de hecho, se ha erosionado, por lo general los artistas comienzan de inmediato con el 1/8.

En términos de diferencia entre las distintas copias, ninguna estatua de bronce será 100% idéntica. Después de todo, la fundición de bronce es un proceso manual tradicional, aunque un extraño nunca notará la diferencia.

_{The Two Faces', una estatua fundido de bronce del artista Kobe a la venta a través de Gallerease}

¿Cuál es el mejor lugar para comprar estatuas, como estatuas fundido y esculturas?

Hoy en día muchas estatuas se ofrecen a la venta a un precio relativamente bajo. A menudo se trata de esculturas fundidas en grandes cantidades, también llamadas múltiplos. ¿Estás buscando una estatua única y original en una edición limitada?

Entonces le recomendamos que haga esto en una galería de renombre o en un marchante de arte. Para obtener una descripción general de la gama de esculturas originales, puede echar un vistazo aquí en Gallerease, aquí encontrará más de 1,000 estatuas originales y seleccionadas.